Programm Archiv

Mit Schlagzeug, Perkussion, Vibraphon, Bass, Gitarre, sattem Bläsersatz, Piano und Step-Tanz.

Das zehnköpfige Orchester um den Schlagzeuger, Komponisten und Arrangeur Yasuhiro Yoshigaki hat sich bereits hervorgetan mit eigenwilligen Interpretationen einer grossen Bandbreite musikalischer Perlen: Von Nuevo Tango über Kurt Weill und psychedelischem Rock bis hin zu Soundtracks von Ennio Morricone und Burt Bacharach erglänzte so manches unter der Bearbeitung seiner Formation.
Dass er sich nun dem Werk eines der grössten Komponisten der Musikgeschichte angenommen hat, und eine Reihe von Standards aus der Feder von Duke Ellington für sein Orchester arrangiert, überrascht da nicht gross. Dass er zu diesem Zweck zu Schlagzeug und Perkussion, Vibraphon, Bass, Gitarre und einem satten Bläsersatz noch einen Pianisten und einen Step-Tänzer hinzuzieht, macht Sinn und gibt Standards wie Caravan, Take The A Train, The Moochee und Mood Indigo einiges des Zeitkolorits des Ausgangsmaterials, das seinen mit aktueller Musik durchsetzten Versionen der Originale gehörige Tiefe verleiht.
Synergetisch präsentiert von Dachstock und Tojo.

• http://www.youtube.com/watch?v=mv_T-jQsjTs
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Konzept/Leitung: Bernadette Köbele. Tanz: Gianna Grünig. Schauspiel: Bettina Wiehler. Komposition/Live-Elektronik: Marco Döttlinger. Fotos: Malte Bruns, Patrick Beelaert.

Die Nacht eröffnet einen Raum in dem sich verschiedenste Metamorphosen die Hand reichen: individuelle Entwicklungen, Transfigurationen, Brechungen und Wendepunkte.
Die Nacht bringt Ereignisse und Gefühle wie Wandlungswünsche, Trennungen, Stillstand, Neubildung, Einbildung und Doppelbödigkeit hervor, die zusammen den persönlichen Prozesskokon eines Menschen weben.
Diese Prozesse greifen die KünstlerInnen von LABOR AMANDA auf, setzen sie in Szene und spinnen sie fort. Dabei beleuchten die drei Künste - Tanz, Schauspiel und Musik - jeweils unterschiedliche Aspekte der nächtlichen Metamorphosen, welchen die ZuschauerInnen wiederum auf individuelle Weise folgen können, um so ihre eigenen Wandlungsprozesse zu durchschreiten. Eine vielschichtige, sensible und offene Form, auf die die Betrachter sich einlassen und mit der sie frei umgehen können.

• www.labor-amanda.com
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Besetzung Basel: Regie: Martin Frank. Spiel: Julie Burkardt, Birkan Cam, Cyra Crone, Johannes Horn, Aileen Lakatos, Claudio Tondolo, Mona-Bawani Mühlhausen. Choreografie: Bea Nichele. Assistenz: Mona-Bawani Mühlhausen, Laura Barzel. Besetzung Bremen: Regie: Rieke Oberländer. Spiel: Arthur Hünermann, Helen Klinge, Konrad Leinhos, Anais Marie Perrier, Helena Wolter, Andreas Zeller. Choreografie: Christina Schahabi. Assistenz: Selin Portele.

Zwischen Bremen und Basel haben 13 Jugendliche Geschichten vom freien Fall gesucht. Und gefunden. Auf Bahnhöfen und Autobahnraststätten, in Strassenbahnen, Döner-Buden und Theaterkantinen. Mit jeder gefundenen Geschichte sind die jungen Spieler den eigenen Sehnsüchten nach Ablösung und ihrem persönlichen freien Fall näher gekommen. Sie haben im eigenen Alltag, im privatesten Erleben das «Fall-Gen» bei sich selbst entdeckt. Tanzend, singend und spielend versuchen sie, die Fallsucht zu stillen. Das Springen bekommt eine so grosse Bedeutung, dass der Eintritt in die hohe Schule des freien Fallens unausweichlich wird. So unausweichlich, wie das Ankommen auf dem Bühnenboden.
Was die beiden Gruppen über ein Jahr und 760 km Distanz verband, war die Frage, was Menschen dazu bringt, sich freiwillig um jeden Halt zu bringen und abzuspringen, mutwillig oder vom Schicksal gezwungen. Die Gruppen arbeiten mit Geschichten, die hinter Angst und Mut, fallen und aufgefangen werden, liegen. Die Momente des Lebens, in denen man den Boden unter den Füssen verliert, in denen der freie Fall erlebt wird. Ist der freie Fall etwas Schönes? Kommt nach jedem freien Fall ein Aufprall oder ist er endlos?

jugendtheater.willisau.ch

www.theater-bremen.de

• www.spiilplaetz.ch
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Regie: Christof Oser-Meier. Spiel: Elias Baumann, Nadja Bruder, Rahel Bryner, Fiona Fankhauser, Olivia Fuhrer, Annika Glaeser, Lara Desdemona Kofmel, Dominik Scherrer, Simona Schraner, Diana Zanda. Regieassistenz/Dramaturgie: Regula Schelling. Licht: Mathias Bichsel. Inspizienz: Vera Probst. Produktionsleitung: Andreas Schmidhauser-Nold.

“Also damit hier kein falscher Eindruck entsteht. Wir morden nicht zum Spass, sondern aus höherer Gerechtigkeit.“ Karl Moor.
Gesucht: wirre Hitzköpfe, kühle Analytiker, charismatische Führer und treue Freunde, bis über beide Ohren Verliebte und vor Eifersucht Verrückte. Es ist doch alles nur ein Spiel! Bis es ernst wird. Hier gehen alle an ihre Grenzen und darüber hinaus. Für Fragen bleibt vorerst keine Zeit. Bis sie plötzlich unausweichlich vor uns stehen. Wofür ist es wert zu kämpfen, zu sterben? Welchen Preis zahle ich für die Freiheit? Und was ist mit der grossen Liebe?
Spielerisch kämpfend und kämpferisch spielend stellt sich der Jugendclub U21 ausgehend von Schillers Räubern den Fragen, bei denen Flucht zwecklos ist.

www.tobs.ch

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Regie: Laura Rullo. Choreographie: Alessandra Kruesi. Mit: Yanika Bettosini, Martina Ennas, Gino Gatti, Samuel Di Porto, Veronica Kopar, Celine Thiebaud, Agnese Valsecchi, Stina Vetter. In italienischer Sprache.

Alles hat seinen Ursprung auf dem Olymp mit den Brüdern Prometheus und Epimetheus und der berühmten Büchse der Pandora. Das Stück beginnt auf dem Götterberg mit einem wütenden Zeus. Prometheus hat ihm das Feuer gestohlen und es den Menschen gebracht, die von den Göttern nicht geliebt sind. Zeus beschliesst deshalb die Menschheit mit der Büchse der Pandora zu bestrafen. Einmal geöffnet, bringt sie den Menschen unendliche Zerstörung und grosses Leid. Doch es gibt Hoffnung...
An einer Schule, Jahrtausende später, leben einige nichtsahnende Mädchen, bis sie Met und Teo begegnen. Zwei Jungen, die ihnen bei der Auflösung des Götterfluches helfen möchten. Doch ist die Geschichte tatsächlich wahr? Eines der Mädchen findet die Lösung. Doch um die Welt zu retten, müssen sich alle ihren grössten Ängsten stellen.

www.ilgatto.ch

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Regie: Katrin Sauter. Regieassistenz: Eva Lichtsteiner. Musik: Jonas Albrecht, Elischa Heller, Elias Bieri. Spiel: Elisa Brügger, Marina Brunner, Lena Graf, Michelle Lichtin, Laura Luterbach, Livia Meyer, Jarina Müller, Rhea Reisewitz, Lena Rohrer, Lea Schüpfer, Lea Schwegler, Robert Pitaci. Musik/Komposition: Christof Mahnig. Bühne: Herbert Werder mit Jugendlichen. Kostüme: Olivia Grandy, Corinne Kneubühler, Anne Schmid, Chiara Steinmann. Maske: Chris Riedi, Julia Mehr. Licht/Technik: Beat Auer, Livio Calivers, Anne Schmid. Grafik: Paula Troxler. Produktionsleitung: Carolina Aregger, Nina Kaufmann, Sandra Küng, Nadja Häfliger, Samuel Schär, Ems Troxler.

Acht Jugendliche treffen in einer leerstehenden Fabrikhalle zum ersten Mal aufeinander. Warum gerade hier, ist ihnen selbst nicht klar. Doch es stellt sich bald heraus, dass alle von denselben Träumen heimgesucht wurden, die ihnen die totale Freiheit versprochen haben. Also sind sie ins Ungewisse aufgebrochen und hier gestrandet.
Trotz Enttäuschung und Unsicherheit bleiben die acht jungen Frauen hier, magisch gebannt von der süssen Verwirrung der Träume und der Sehnsucht nach einem selbstbestimmten Leben.
Bald entdecken sie, dass in einem Buch, welches Ayesha in ihrem Gepäck mitgebracht hat, magische Kräfte schlummern. Fasziniert von den neuen Möglichkeiten beginnen sie ihre Künste zu trainieren. Doch aus dem Spiel wird unmerklich bitterer Ernst. Machtfantasien erwachen und Uneinigkeiten über den Einsatz der Zauberkräfte entzweien die Gruppe allmählich. Albträume beginnen die Jugendlichen zu plagen. Als sie realisieren, dass der Tod hinter den Zauberkräften steckt, ist es bereits zu spät. Das tödliche Spiel nimmt seinen Lauf.
„Krabats Erbe“ ist die Geschichte von pubertierenden Menschen, die in Berührung mit der Macht und ihren Verlockungen geraten und sich darin verstricken. Ausgehend vom Stoff der Krabat-Sage, die auch Otfried Preussler zum Jugendroman "Krabat" inspirierte, hat das Ensemble unter der Leitung von Katrin Sauter ihr eigenes Stück kreiert. Fremdbestimmung, Gruppenzwang, Freiheit und die Kraft der Freundschaft sind Themen, mit denen sich das Ensemble beschäftigt hat. Entstanden ist daraus ein Stück mit Spiel, Live-Musik, Gesang und magischen Bildern.

jugendtheater.willisau.ch

• www.spiilplaetz.ch
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Choreografie: Anja Gallagher, Natalie Wagner, Maggie Bergeron. Tanz: Oriana Berger, Anja Gallagher, Pauline Raineri, Klaudia ?nios, Natalie Wagner. Musik: Rupert Lally, Nicholas Gaudette Licht/Technik/Grafik: Raphael Sollberger. Kostüme: Rosmarie Dellsperger, Couture Atelier BFF, Bern. Produktionsleitung: Anna Barmettler.

Sehnsüchte hinterlassen einen bittersüssen Geschmack, machen uns ruhelos, glücklich oder melancholisch - eine paradiesische und gleichzeitig schmerzhafte Erfahrung. Sie treiben uns voran oder lassen uns Vergangenes wieder erleben.
Wonach sehnen wir uns überhaupt? Wie universell, geschlechtsspezifisch und persönlich sind unsere Sehnsüchte, wie entstehen sie und wie entfalten sie sich? Kommen und gehen sie oder sind sie stets in uns?
Die drei unterschiedlichen Choreografien von „SehnSucht“ bauen auf dem zeitgenössischen Bewegungsvokabular auf und bringen die Essenz einer Sehnsucht tänzerisch zum Ausdruck. Dabei wurde mit Bildern und Emotionen gearbeitet und auf verbale Geschichten verzichtet. 

• www.momentumdance.ch
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Choreografie: Bert Uyttenhove. Musik: Yann Cleary. Tanz: Alice Baccile, Elisenda Cladellas Parellada, Armando Disanto, Patscharaporn Distakul. Koproduktion: Südpol Luzern, Interdans vzw (BE), Theater aan de Stroom (BE).

Wie würdest du dich in wenigen Worten beschreiben? Was waren deine Wendepunkte im Leben? Wie hast du deine Entscheidungen getroffen?

Das Tanzstück „from Südpol to Südpol“ ist irgendwo zwischen dem Vorher und dem Nachher angesiedelt – im Wedernoch. In den Momenten, in denen das Leben eine neue Richtung einschlägt. Manchmal sehen wir Wendepunkte herbei um der Routine des Alltags zu entkommen. Ein anderes Mal fürchten wir uns vor Veränderung, dem Verlust von Vertrautem und Liebgewonnenem. Jede Biographie ist geprägt von solchen einschneidenden Erlebnissen und Entscheidungen, nach denen nichts mehr ist wie es war.
In seinem ersten abendfüllenden Stück macht der junge Choreograf Bert Uyttenhove seine aktuelle Lebenssituation zum Ausgangspunkt der Choreografie. Nachdem Uyttenhove vier Jahre im Ensemble des Luzerner Theaters getanzt hat, entschloss er sich, in der freien Szene zu arbeiten. Aber nicht nur seine Biographie, auch die der beteiligten TänzerInnen und des Komponisten dienen dem Stück als Grundlage. „from Südpol to Südpol“ lässt viel Raum um der Vielschichtigkeit und Mehrdeutigkeit solcher Lebensmomente gerecht zu werden.

• www.isalf.ch
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Von/mit: Remo Beuggert, Gianni Blumer, Matthias Brücker, Cora Frost, Solene Garnier, Nikolaj Gralak, Matthias Grandjean, Julia Häusermann, Florian Loycke, Tiziana Pagliaro, Dasnyia Sommer. Regie: Florian Loycke. Puppenbau: Florian Loycke und Ensemble. Dramaturgie: Marcel Bugiel. Licht/Bühne: Burkhart Ellinghaus. Produktionsleitung: Ketty Ghnassia. Koproduktion: AUAWIRLEBEN, Fabriktheater Zürich, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt. Sprache: Deutsch und Schweizerdeutsch. Dauer: 1h 30min.

• www.auawirleben.ch
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Von/mit: Mara van Vlijmen, Vincent Rietveld. Endregie: Jeroen De Man. Licht: Prem Scholte Albers. Bühne/Kostüm: Rikus Brederveld. Coaching: Ward Weemhoff. Sprache: Englisch. Dauer: 2h.

De Warme Winkel nennt SAN FRANCISCO eine ‹Krisenkomödie›, und das trifft den Nagel gleich mehrfach auf den Kopf. Die niederländische Gruppe steckt selbst in der Krise. Es ist nicht leicht, den riesigen Erfolg des letzten Stücks zu toppen. Da kommt das Kollektiv ganz schön unter Druck beim Erarbeiten des neuen Projektes. Dass die holländischen Kulturgelder arg gekürzt wurden, macht die Sache auch nicht einfacher. Da beginnen auch sie zu zweifeln, ob ihre Ideen denn wirklich ausreichen. Eigentlich wollten sie ein Stück über den Briefwechsel von Ingeborg Bachmann und Paul Celan machen, aber ist das denn genügend relevant in unseren rezessionsgeschüttelten Zeiten? Vor lauter Zweifel haben sie nichts zustande gebracht. Vor lauter Anträge schreiben hatten sie keine Zeit zu proben.

«We don’t actually have a show for you tonight. We really worked incredibly hard; we worked ourselves into the ground, we tried everything; but we just did not reach that level where it would be worth presenting what we have to you. The level you may expect from theatre group De Warme Winkel. Of course, we are very, very sorry.»

Doch wenn man einmal aufhört, einander die Schuld zuzuschieben, beginnt das grosse Imaginieren. Dann beginnt die Show!

• www.auawirleben.ch
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Von/mit: Brian Lobel. Computer-Design: Chipp Jansen. Grafik: Mamoru Iriguchi. Koproduktion: motiroti London, ANTI Festival of Contemporary Arts Kuopio. Sprache: Englisch. Dauer: 1h.

Vor zwei Jahren spielte Brian Lobel ein brutales Spiel mit der Freundschaftspflege: Er bat wildfremde Leute zu entscheiden, welche seiner 1300 Facebook-Freunde und -Freundinnen er behalten und welche er löschen sollte. 50 Stunden, 800 Emails von wütenden, faszinierten und amüsierten Freunden und über 2500 Kommentare von Live-Stream-Zuschauern später entstand PURGE als interaktive Lecture-Performance. In einer Mischung aus Game-Show, Liebesgeschichte und Vortrag geht Lobel der zeitgenössischen Definition von Freundschaft nach. Die E-Mails von den Phils, Julias und Heathers, die entweder ein letztes Mal versuchen, ihre Freundschaft zu bezeugen, zynisch resignieren oder auf absurde Weise darlegen, wie ihre Privatsphäre verletzt werde, dokumentieren den Prozess dieser ‹Reinigung› und zeigen auf, dass die Grenze zwischen virtuell und real bei Freundschaften schon viel verwischter ist, als wir gerne glauben würden.

«At its heart, Purge explores what and who our friends really are – in real life and online. It asks what social media is for, how we use it, what we want from it and ultimately whether it means anything to us personally.» (One Stop Arts)

• www.auawirleben.ch
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Regie: Jasmine Hoch. Dramaturgie: Beat Schläpfer. Mit: Carine Kapinga Mpongo, Alejandra Cardona, Ana Xandry, Gabriele Mengel, Katia Franco Hofacker, Marileide Oliveira, Milena Petrovic, Miriam Knecht. Bühne/Kostüm: Claudia Flütsch. Technik/Licht: Martin Rüegg. Ton: Simon Grab. Assistenz: Joyce Tetteh.

In einer Nacht- und Nebelaktion stürmen zwei Frauen einen Radiosender und nehmen die Moderatorin einer Frauensendung als Geisel. Die Aktion ausgelöst hat der gewaltsame Tod ihrer Freundin Maloba. Die Besetzerinnen rufen alle Zuhörerinnen dazu auf, in den Sender zu kommen, für ihre Rechte einzustehen und gegen die Unterdrückung und Ausbeutung von Frauen zu protestieren. Kontroverse Haltungen treffen aufeinander. Ein Miteinander scheint unmöglich, zu unterschiedlich sind die Erwartungen.
In „KISSKILL“ stellt sich das Ensemble Fragen zur Emanzipation, zur Rolle der Frau, aber auch zu Macht und Gewalt. Der Abend thematisiert die Sehnsucht nach einem Ausstieg aus der Diskriminierung und den Drang nach Selbstbestimmung, die Verwirrung der Werte und die Ratlosigkeit des Agierens.
„KISSKILL“ ist stark von den Spielerinnen und ihren Erfahrungen geprägt. Das bietet Einblick in fremde Welten, die die Rolle der Frau über die jeweilige kulturelle Tradition ganz anders definieren. Ein aktuelles gesellschafspolitisches Themenfeld, das in seiner Dringlichkeit alle Teile der Gesellschaft betrifft. Die Geschichte verläuft kontrovers und drastisch, wird immer wieder durch komische Situationen gebrochen, ist politisch unkorrekt überhöht und vor allem leidenschaftlich und kraftvoll. Sie ist fiktiv, aber weist durch den Probenprozess einen hohen Grad an verdichteter Authentizität auf. 

• www.maximtheater.ch
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Mit der LuDi-Crew: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube und illustren Gästen. Regie: Jost Krauer.

Die LuDi-Crew hat sich der Natur und dem ländlichen Leben verschrieben. Zurück zu den Quellen, den Wurzeln, der Scholle. Der Segen der einfachen und gesunden Lebensweise. In einer Zeit wo volkstümelnde Ergüsse landauf, landab bis in bedrohliche Stadtnähe schwappen, bleibt zu hoffen, dass die LuDi-Crew nicht nur auf den klischeebeladenen Zug aufspringt, mit bunten Fahnen winkt, Volksnähe mimt, die Ängste des Publikums bewirtschaftet und sich der folkloristischen Tücke hingibt.

Doch man kennt ja die vier Lustigen des Dienstags, sprich: Die Hoffnung stirbt zuletzt. Und es gibt ja auch noch die GastkünstlerInnen und den Publikumswettbewerb...

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Di. 22.4. 20:30 Uhr "Capital Slam Deluxe"
Die besten Poetry-Slamer und Slamerinnen von hier bis Obergoldbach.

Mi. 23.4. 20.30 Uhr "Blockflöte des Todes"
Wer bitterböse Lieber mag, der ist hier goldrichtig! Ein wenig wie Funny van Dannen, nur versauter!
http://www.blockflötedestodes.de

Do. 24.4. 2014 20.30 Uhr "Hauke Schmidt"
Klassische, amerikanische Stand up Comedy mit seiner alternativer Weltsicht. Trocken, sehr trocken!
http://www.haukeschmidt.com

Do. 24.4. 22.00 Uhr "Ill Young Kim"
Nein, nicht der mit der Atombombe! Der andere, der Lustige! Der nach sieben Mon Chéris einen Filmriss kriegt.
https://www.facebook.com/pages/Illyoung-Kim

Fr. 25.4. 20.30 Uhr "The Fuck Hornisschen Orchestra"
Sie haben den besten 90er Jahre Song ever geschrieben und kennen sich bestens mit moderner Pferdeliteratur aus. TFHO mit „Hoffnung 3000“.
http://www.tfho.de

Sa. 26.4. 20.30 Uhr "Torsten Sträter"
Liest über tote Hunde, Fleischwurst-Beschaffungsmassnahmen oder wie man durch Drogen zum Schreiben findet.
http://www.torsten-straeter.de

• www.rabe.ch
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Konzept/Realisation: Thomas Fischer. Performance: Joana Aderi, Ralph Tristan Engelmann, Marius Peyer, Tobias Reber, Christian Rösli. Installation/Video: Julia Maria Morf. Sounddesign: Thomas Winkler. Koproduktion: Fabriktheater Rote Fabrik Zürich.

Zwar wissen wir bereits seit 1984, dass Big Brother mithört, doch seit Facebook sind wir auch noch durchsichtig geworden. Dafür führen wir jetzt ein Leben 2.0, wo der Unterschied zwischen real und virtuell bald keine Rolle mehr spielt, und rasend schnell kommen weitere Gewissheiten ins Wanken. – Szenisch setzt sich "Signal to Noise" damit auseinander, indem die live Performer den Raum mit ihren virtuellen Doppelgängern bevölkern und ihr elektronisch angestautes Wissen zu einem bizarr-surrealen Gedankenstrom verlinken.

pulp.noir wurde 2004 an der Grenze zwischen Theater, Kunst und Musik gegründet und erkundet seither mit allen Mitteln und Medien die Absurdität des Lebens, um sie dem Publikum zugänglich zu machen.

• www.pulpnoir.ch
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Produktion: Grenzgänger Luzern. Idee/Konzept/Inszenierung: Bettina Glaus. Spiel: Claudia Schwingruber, Evelyne Gugolz, Judith Michel, Nina Langensand, Tobias Fischer. Bühne: Barbara Pfyffer. Kostüm: Janina Ammon. Ton: Giancarlo Della Chiesa. Licht: Marie Zahir. Künstlerische Mitarbeit: Frederike Bohr. Regieassistenz: Anna Gasser. Grafik: Sarah Infanger. Produktionsleitung: Annette von Goumoëns. Koproduktion: Südpol Luzern, Theater im Burgbachkeller Zug.

Drei Schwestern wohnen zusammen mit ihrem Bruder und seiner Freundin in der baufälligen Villa ihrer früh verstorbenen Eltern. Trotz materieller Sicherheit und Bildung wissen die fünf jungen Menschen nichts mit sich anzufangen. Hilflos wie gestrandete Wale kommen sie nicht mehr weg von der Bucht der geschwisterlichen Lieblosigkeit, die sie sich gegenseitig und erfolgreich immer wieder beweisen. Mit wortgewaltigen Dialogen legt das Stück die Befindlichkeiten einer überbehüteten Mittelschichtgeneration offen, die von der eigenen Unfähigkeit, dem Leben einen Sinn abzugewinnen, gelähmt wird. Das Stück kann als Abbild einer maroden Wohlstandsgesellschaft verstanden werden, die im Spiegel ihrer eigenen Sprache entsteht und dort stagniert. Mit der Schweizer Erstaufführung von «VILLA DOLOROSA. DREI MISSRATENE GEBURTSTAGE» zeigt Grenzgänger Luzern ein zeitgemässes Sprechtheaterstück von Rebekka Kricheldorf, einer der meist gespielten Theaterautorinnen im deutschsprachigen Raum.

• www.grenzgaenger-luzern.com
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Chorleitung: Adrienne Rychard. Choreographie: Michael Schulz. Licht/Technik: Yvonne Hostettler.

Der Frauenchor der Reitschule Bern präsentiert sein neues Programm. Wir dachten, die Tage würden niemals enden, wir würden singen und tanzen, kämpfen und niemals verlieren. Heute sehen wir klar, denn es ist ein leuchtender, sonniger Tag und die Wolken, die uns blind machen, sind verschwunden. Im Fernsehen haben sie gesagt, dass sich etwas ändern soll. Wir warten gespannt darauf. Wenn Du, beladen von Jahren, Erinnerungen und Illusionen, unsere Lieder hörst, wirst Du Dich wundern. Singend vergessen wir alle unsere Versprechen, schauen wir zu, wie das Leben vergeht. Singend wird man uns noch nicht begraben, nicht unter Rosen legen oder unter einen Marmorstein. Nichts hat sich geändert, wir singen immer noch.
Wie vom Frauenchor gewohnt, wird in verschiedenen Sprachen und Stilrichtungen gesungen. Klassisch, volkstümlich, politisch, schnulzig oder rockig - Mixture ist Programm, Langeweile ausgeschlossen. Welcome home!

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Mit der LuDi-Crew: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube. Regie: Jost Krauer.

Der Lustige Dienstag 72 hebt ab, sucht sich neue Territorien, schwebt in neue Dimensionen und unternimmt die ultimative Reise. War ja auch Zeit. Doch die LuDi-Crew gerät in eine Zeitschlaufe. Mägic Henä bastelt an einer Zeitmaschine, AD Will Lee liefert das nötige Hintergrundwissen, Charlotte ist mit ihren Raumschifffahrstunden beschäftigt und Hans Franz Nägeli möchte am liebsten alle auf den Mond schiessen. Im Raumschiff LuDi 72 sinkt die Stimmung rasch gegen den absoluten Nullpunkt. Will-Lee-Klassiker kämpfen gegen miese Mägic-Henä-Tricks, Hans Franz Nägelis Weisheit ist an ihre Grenzen geraten, und nach einer Fehlmanipulation von Charlotte am Raumschiff, trudelt dieses von Nummer zu Nummer, eckt an, und schon haben wir die Zeitschlaufe. Können die Gäste von nah und fern andocken und finden sie eine Auftrittsmöglichkeit? Gibt es einen intergalaktischen Wettbewerb? Und entkommt die Crew diesem Raumzeitgefängnis?

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Text: Daniela Janjic. Regie: Alexandra Portmann. Spiel: Ruth Huber, Anna Messmer, Raphael Muff. Spiel/Musik: Christoph Trummer. Dramaturgie: Assunta Steiner. Bühne: Philipp Langenbacher. Licht/Technik: Nik Friedli, Edith Szabò. Fotos: Anja Stapelfeldt. Grafik: Ilona Troxler Smith. PR: Lucia Bühler. Produktionsleitung: Ruth Huber, Assunta Steiner. Koproduktion: Theater Tuchlaube, Forum Schlossplatz. Im Rahmen des Förderprogramms „First Steps/AG“.

In einer abgelegenen Berghütte treffen sich vier Leute um das sagenumwobene, zum immateriellen Kulturerbe gehörende und vom Untergang bedrohte Ritual „Wurzelzeit“ zum 155. Mal durchzuführen: Babs, die traditionsbewusste Kulturbeauftragte, Mandolin der experimentierfreudige Musiker, Finni, die klaustrophobische Sozialanthropologin und Flocke, der Unternehmer aus dem Ausland. Doch die persönlichen Motive der Anwesenden führen unweigerlich zur Eskalation. Wünschen sich die einen Abwechslung von der Alltags-Tristesse, erwarten die anderen Zugehörigkeit und Anerkennung. Während die einen den Brauch weiterentwickeln wollen, kämpfen die anderen mit immer radikaleren Mitteln um Beständigkeit. Gelingt es Babs, Mandolin, Finni und Flocke den bedrohten Brauch zu retten oder scheitern sie an ihren eigenen Interessen?
FRADS präsentiert ein Theaterstück über Sinn und Unsinn im gesellschaftlichen Umgang mit Brauchtum, Tradition und dem sogenannten immatriellen Kulturerbe. Auf humorvolle und kritische Weise wird in „Wurzelzeit“ hinterfragt, wie Traditionen funktionieren und welches die problematischen Seiten von persönlicher und gemeinschaftlicher Identitätsbildung sind. Ein scharfsinniger und vergnüglicher Abend über grosse Werte und zu enge Trachten, über die Frage warum Kuttelsuppe an Weihnachten besser schmeckt und ob man ausgeschlossen werden kann, wenn man gar nie dazu gehört hat.

• www.frads.ch
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Fr. 14. März 2014 20.30 Uhr
FIL (Berlin) „Im Rausch der Heiterkeit“

Nach dem riesigen Erfolg im letzten Jahr am RaBe Fest, besucht Fil uns in diesem Jahr mit seinem brandneuen Programm „Im Rausch der Heiterkeit“ Fil, der Top-Typ aus Thüringen, zieht in seinem neuen Programm wieder alle Register, ohne überhaupt zu wissen, was »Register« eigentlich sind, und wofür man die braucht, und ob es da nicht schon längst eine digitale Entsprechung gibt. Fil stellt genaugenommen solche Fragen nicht, Fil stellt Antworten. Er stellt diese Antworten den Bürgern vor die Nuss und zieht sich dann unbändig schmunzelnd wieder zurück nachhause, wo er wohnt.

Sa. 15. März 2014 20.30 Uhr
Dominic Deville „Bühnenschreck“

Er ist ein Vollblut-Punk, Kindergärter und Kabarettist: Dominic Deville. Äusserst unterhaltsam erzählt er Geschichten aus dem Kindergarten, der Innerschweiz und von anderen exotischen Schauplätzen. Für`s RaBe Fest bringt der Entertainer sein eigens für`s RaBe Fest geschustertes Spezialprogramm „Bühnenschreck“ mit. Deville klärt auf, dass das durchschnittliche Geburtstagfest im Kindergarten einen komplexeren Ablauf als das Aufnahmeritual der Freimaurer aufweist und warum sich gerade Punkrocksongs bestens als Kinderlieder eignen. Seine rabenschwarzen „Kinderverse für Erwachsene“ und das schrecklichste Märchen der Welt beschwören schliesslich die pädagogische Apokalypse herauf.

Sa. 15. März 2014 22.00 Uhr
Fitzgerald & Rimini

Fitzgerald & Rimini performen Geschichten, wie sie das groteske Leben schreibt: Ein Mauersegler fliegt übers Meer, ein Hallauer in sein Häuschen. Ein Hund wird Künstler, reisst sich das Fell vom Leib und Didi Marleno verkauft Musik in angepasster Lautstärke für jeden Anlass. Grosses Kino mit fabulöser Musik. Das meiste ist wahr, alles echt. Fitzgerald & Rimini bereichern das RaBe Fest 2014 mit Ausschnitten ihre letzten Werk „Aristokratie und Wahnsinn“ angereichert mit viel neuem, bisher ungehörtem Material. Man darf gespannt sein!

• www.rabe.ch
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Produktion: t.arte. Regie: Michelle Affolter. Spiel: Cyrille Haefely, Martin Hebeisen, Xenia Obratov, Jana Wälchli, Arlette Zwahlen. Bühne: Maria Beglerbegovic. Musik: Oliver Schmid. Technik: Greg Kaufeisen. Video: Simeon Haefely. Öffentlichkeitsarbeit: Anna Barmettler.

Tiger, ein angesehener und hoch dotierter Künstler aus Los Angeles, besucht seine mittellosen Künstlerfreunde Fred und Lea. Im Rausch des Wiedersehens schliessen sie einen Pakt: Sollte Tiger vor Lea sterben, würde sie seinen mit Tattoos übersäten Körper aufbewahren und die Leiche auf ewig hegen und pflegen. Das Unwahrscheinliche passiert: Tiger stirbt kurz darauf und Lea sieht sich gezwungen ihr Versprechen einzulösen... Was passiert, wenn der Tod schneller ist als das Leben und der mit zahlreichen Tätowierungen verzierte „Tiger“ zu einem Gesamtkunstwerk, einem Objekt wird? Und zu wie viel Verrat ist man bereit, wenn es dann um das Aushandeln des Preises geht?
t.arte zeigt mit seiner neusten Produktion eine bitterböse Satire über den Kunstbetrieb sowie den Vertrauensmissbrauch geglaubter Verbündeter. Auf eine brutale Art und Weise zeigen die Protagonisten, dass ihre Freundschaften zu nichts taugen. Die Inszenierung konzentriert sich auf das Wechselspiel zwischen authentischem und aufgesetztem Verhalten der Figuren. Denn die Helden des Dramas, ob Schauspielerin Lea, Schriftsteller Fred, ihr Jugendfreund Tiger oder die Galeristin Naomi sind bloß Figuren auf einem Schachbrett, das sich verselbstständigt – in einem Spiel, das zu bizarr scheint, um wahr zu sein – aber gleichzeitig zu direkt unter die Haut fährt, um einfach nur Schein zu bleiben.

• www.tpunktarte.ch
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Von/mit: Martin Bieri, Orpheo Carcano, Thomas Köppel, Luca Langensand, Nina Langensand, Susanne Vonarburg. Koproduktion: Kleintheater Luzern.

„ultra“ ist eine kollektiv erarbeitete Theaterproduktion, ein Interview, ein fragendes Gespräch zwischen Luca Langensand (Jurist, wissenschaftlicher Assisent und HC Ambri Piotta Fan) und seiner Schwester Nina Langensand (Schauspielerin und bildende Künstlerin). Entstanden ist die Idee zu «ultra» im Sommer 2012 aufgrund eines Gesprächs zwischen den beiden über Begeisterung, Hingabe und Leidenschaft eines Fans, hier im Besonderen eines Hockeyfans des HC Ambri Piotta. Mit Luca und Nina Langensand stehen sich auf der Bühne zwei Menschen gegenüber, die ihr Suchen nach Sinn und Hingabe verbindet und trennt. Sie sind sich als Geschwister so nahe, dass sie sich dem Trennenden, den Widersprüchen zwischen ihnen stellen können, wie es unerbittlicher nicht geht. Das Gespräch verwebt das Persönliche mit dem Allgemeinen, im Privaten werden gesellschaftliche Bruchlinien und Konflikte sichtbar. Sie suchen gemeinsam nach dem je eigenen Ausdruck, nach Beteiligung am und Abgrenzung vom Leben des anderen. Das Gespräch ist ein Ringen, nicht ums Recht-Haben, sondern ums Verstehen. Das Verstehen des Weges, den der andere einschlägt, um mehr zu sein, als ein Einzelner, eine Einzelne.

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Mit der LuDi-Crew: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube. Regie: Jost Krauer.

Nach der letzten Fehlmeldung wird es schwierig noch irgendetwas Verlässliches über den LuDi zu sagen. Tja, was soll man schon berichten, über vier absolut unzuverlässige Mitglieder einer noch unzuverlässigeren Crew, die einen Abend gestalten, dessen Programm Unzuverlässigkeit ist? Ist es überhaupt gerechtfertigt, dass der Lustige Dienstag eine Plattform und ein Gefäss bekommt? Der Lustige Dienstag ist ja zuweilen lustig, amüsant, humorvoll, spassig, witzig, putzig und possierlich, auch wenn diese Eigenschaften der Crew gänzlich abgehen. Sogar den auftretenden Gästen gelingt es ab und zu ihre frohgemute, drollige und närrische Seite dem Publikum zu offenbaren. Doch der courant normal auf der Bühne hinterlässt beim Publikum meistens mehr Fragen als Antworten. Warum sind die drei Protagonisten des LuDi, namentlich Charlotte, AD Will Lee und Hans Franz Nägeli eigentlich immer noch hier? Und was bitte sehr wollen uns die illustren und weniger illustren Gäste der Show mit ihren Darbietungen noch erzählen? Warum beispielsweise taucht plötzlich Mägic Henä wieder auf, der doch zur Erleichterung aller Anwesenden in der letzten Show unsichtbar blieb? Und warum zum Teufel tummeln sich die vier Unzuverlässigen im Februar auf dem Kinderspielplatz herum? Versuchen sie ernsthaft, mal kindlich statt kindisch zu wirken? Hat Hans Franz Nägeli genug Hintergrundwissen um seine schlecht gelaunten Tiraden loszulassen? Memoriert Will Lee etwas anderes als Wikipedia und YB-Resultate? Hat Charlotte eine abgeschlossene Ausbildung und wenn ja, welche? Könnte das die Wettbewerbsfrage im Februar sein? Und woher hat Henä seine Fistelstimme?

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Choreografie/Konzept/Performance: Cosima Grand, Sabrina Zimmermann. ?Licht: Carmen Bender. Ton: André Seiler. Oeil extérieur: Julia Haenni. Produktionsleitung: Rabea Grand.

Die Performerinnen Cosima Grand und Sabrina Zimmermann setzen sich im Stück „Me, myself and I“ mit der Identität als Konstrukt auseinander. Sie bringen Eigenes und Fremdes, Original und Kopie nebeneinander und unterschiedslos auf die Bühne. Sie sind Tänzerinnen, Rapperinnen, Poetinnen und Popstars. Dabei stellt sich Ihnen und dem Publikum die Frage, ob im Werk oder im Leben tatsächliche Authentizität überhaupt möglich ist. Die gewohnte Rollenverteilung wird im Stück umgewälzt. Sie weigern sich, in herkömmlichen Identitätskategorien zu denken. Sie glauben an eine Gleichheit der Intelligenzen und dass jede Person berechtigt und befähigt ist, auf der Bühne wie im alltäglichen Leben, alles Erdenkliche zu sein. Das Stück ist ein Zeugnis des fragmentarischen Charakters der Wirklichkeit und der eigenen Identität, eine Montage aus Geschichten - von Echtheit und Utopie, von Kitsch und Wirklichkeit. Eine zeitgenössische Revue über me, myself and I.

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Künstlerische Leitung: Brigitta Luisa Merki. Tanz: Eloy Aguilar, Carmen Iglesias, Raquel Lamadrid, José Moro, Ricardo Moro. Gitarre: Juan Gomez, Pascual de Lorca. Gesang: Pedro Obregon, Rocío Soto. Flöte: Maria Toro. Perkussion: Fedrik Gille. Kostüme: Carmen Perez Mateos. Licht: Veit Kälin. Ton: Markus Luginbühl. Produktionsleitung: Pitt Hartmeier. Fotos: Alex Spichale.

«paso por paso», Schritt für Schritt, ist eine Tanz- und Musikkreation für die grosse Formation von Compagnie Flamencos en route. Mit dieser Kreation tanzt die Compagnie in ihre dreissigste Saison. Die Choreografie für «paso por paso» besinnt sich auf altbewährtes, überliefertes Schritt- und Klangmaterial der Flamencokunst. Gleichzeitig schreitet sie voran und setzt den Fuss mutig in die Szenerie einer neuen Tänzergeneration, die sich der Virtuosität des Tanzes auf höchstem Niveau verschrieben hat. Der Fokus liegt ganz auf dem elementarsten Wesenszug des Flamenco: der individuellen Ausdrucksform der Tänzerinnen und Tänzer. Sie stellen sowohl in ihrem künstlerischen Ausdruck als auch in ihrer tänzerischen Technik unterschiedliche Bezüge zu traditionellen und innovativen Strukturen der Flamencokunst her. Die Choreografin Brigitta Luisa Merki versteht dieses Programm auch als eine Hommage an die Ausdrucksfreiheit ihrer KünstlerInnen, die der Compagnie seit vielen Jahren treu sind.

• www.flamencos-enroute.com
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Regie: Jonas Egloff. Co-Regie: Cornelia Hanselmann. Regieassistenz: Andrea Tanner. Szenographie: Katharina Meier, Helen Schläpfer. Dramaturgie: Aron Yeshitila. Spiel: Seid Nur, Getachew, Solomon Tesfay, Tesfa Hiwet, Solomon Negash. Übersetzung: Ghebremikael Tewolde. Produktionsleitung: Deborah Imhof. Koproduktion: Theater Tuchlaube Aarau, Caritas Aargau. Anschliessend Publikumsgespräche.

Die eritreische Community ist die grösste anerkannte Flüchtlingsgruppe in der Schweiz. Nach einer entbehrungsreichen Odyssee versuchen sie, in der neuen Heimat Schweiz Fuss zu fassen – nicht zuletzt, um endlich frei zu sein. In Tigrinya, einer Sprache der Eritreer, ist Freiheit das facettenreiche Wort: „Natsnet“. Weiss man wo die Freiheit grösser ist? Und wie wird das gemessen? Was für Kategorien gibt es dafür? Und warum ist man hier? Und nicht dort? Liegt die Freiheit auf den Strassen von Asmara oder findet man sie im Bahnhof von Aarau? Viele Fragen kommen auf, wenn die Schauspieler aus Eritrea sich mit Freiheit auseinandersetzen. Auf der Suche nach Antworten finden sie Geschichten, Symbole, Bilder und Bewegungen. Nicht alles lässt sich in Worte fassen, weder in Deutsch noch in Tigrinya. Die eritreeischen Darsteller befinden sich im Spannungsfeld ihrer Fluchterfahrung aus dem Heimatland, einer sogenannten Präsidialdiktatur und dem neuen Leben in der sogenannt ältesten Demokratie der Welt. Trotz der Hürden und Schwierigkeiten, der Last und der Entbehrungen zeigt sich, dass sie Experten der Freiheit und des freien Willens sind.

• www.szenart.ch
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Initiator: Christian Valerius. Kostüm/Bühne/Produktionsleitung: Maude Vuilleumier. Schauspiel/Text: Jonas Gygax, Lina Hoppe. Dramaturgie/Text: Liliane Koch. Dramaturgie: Margrit Sengebusch. Bühne/Video/Neue Medien: Silvan Hillmann. Bühne/Sound/Neue Medien: Dein Wochenende. Fotos: Paula Riesig. Koproduktion Gessnerallee Zürich.

Die Negativität ist der letzte Ort, an dem wir noch das Geheimnis und die Verführung finden. Sie bremst und unterbricht unsere heutige Positivgesellschaft, in der sich alles einebnet und wir vergeblich nach der Leidenschaft suchen. Sie ist an Orten, die wir am meisten verachten. Da wo wir nicht sein wollen. Das Glücksversprechen ist eine Lüge. Ein Stück vom Glück ist Abgesang und Abfeiern auf das Positive und das Negative zugleich. Ein Professor entwickelt eine Glücksmaschine, die uns in ein goldenes Zeitalter führt, in dem keine Fragen mehr offen sind. Ein neuer Mensch wird kommen: Ein solcher Mensch hat eigentlich eine doppelte Existenz: er mag leiden und sich grämen, aber wenn er sich in sich selbst zurückzieht, dann ist er wie ein himmlischer Geist, den ein Heiligenschein umgibt, den Leid und Schmerz nicht zu verdunkeln vermögen. Und nun, du unheimliches Kind meiner Muse, gehe hinaus und wirb dir Freunde!

• www.hotairproduction.com
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Mit der LuDi-Crew: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube. Regie: Jost Krauer.

Die LuDi-Crew geht ins Skilager. Wenn das nur gut geht. Die Probleme beginnen bereits am Bahnhof. Art Director Will Lee hätte die Billette bringen sollen, verliert sich in der kristallinen Struktur des Schnees. Das provoziert Hans Franz Nägeli, sich über Kunstschnee und Kunst im Allgemeinen und Speziellen zu äussern. Derweil hat Charlotte die Bretter, die das Tempo bedeuten, angeschnallt und das Ziel als Erste erreicht. Frenetischer Applaus. Die ZuschauerInnen skandieren: „Charlotte Gut! Charlotte Gut!“ Aber wo bleibt Henä, der Zauberer der Akrobatikbretter? In der temporären Skilager-WG sind die Probleme vorprogrammiert. Der bunte Abend, obligates Schrecknis jedes gediegenen Skilagers, droht in eine Mägic-Henä-lastige Zauberschau zu kippen. Ausserdem werden wieder Künstlerinnen und Künstler aus nah und fern erwartet, die ihr Bestes oder Zweitbestes zum allerbesten geben. Zum Beispiel Herr Huber Hotz oder Strohmann-Kauz. Und die ZuschauerInnen können sich wieder beim beliebten Publikumswettbewerb profilieren.

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Konzept/Regie/Produktionsleitung: Azad Süsem. Regieassistent: Ernesto Pedro. Spiel: Natacha Althaus, Maya Prachar, Ernesto Pedro, Rosa Pedro, Ana Althaus, Angie Mäusli. Geräusche/Musik: Jonas Fasching, Azad Süsem. Bühnenbild/Illustration/Grafik: Azad Süsem, Janis Marti, Mathias Zimmerman.

„Chaos ufem Tisch. Ordnig ir Wohnig. Lääri i mir. I wott ni ufstah. Es git ke Grund fr mi uf z'stah. Doch, - t'Blasä drückt.“ In "24. Dezember", der jüngsten Produktion von Lemon Kuliba, gewähren sechs jugendliche DarstellerInnen auf der Bühne in Form eines Live-Hörspiels, Einblick in die aufreibende Suche nach dem Erwachsenwerden. Sie wollen selbstbestimmend ihren Platz in dieser Gesellschaft einnehmen, autonom werden und den Schritt ins Leben wagen. Dabei kommen ihnen verschiedene Personen, auch sie selbst, in die Quere. Sie begegnen ihren Vorbildern, die sie sich nicht aussuchen konnten und es zeigt sich, dass Ideale sich stets verändern.

• www.jugendarbeitBernWest.ch.vu
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Motto: «Hier baut das Quartier» Die Tour de Lorraine findet rund um den 18. Januar 2014 zum 14. Mal im Berner Lorrainequartier statt.

20.00 Uhr Vortrag
Die neoliberale Stadt Gentrification oder Gentrifizierung ist zu einem zentralen Begriff von Kämpfen und Städten geworden: Vom Kämpfen gegen Vertreibung und Mietsteigerung. Die Gentrifizierung innenstadtnaher Wohnquartiere ist aber nur ein Teil der neoliberalen Stadtentwicklung der letzten Jahrzehnte. Die Stadt und die städtischen Entwicklungen werden unter der gegenwärtigen Bedingung neoliberaler Ökonomie als Fragmentierung wahrgenommen. Integrative Momente haben anscheinend ausgedient, daraus resultiert eine neue Spaltung des städtischen Raumes, eines umkämpften Raumes. Auf einer ökonomischen, politischen, kulturellen und sozialen Ebene findet eine Neuaushandlung sozialer Verhältnisse statt. Die Stadt tritt immer mehr als Unternehmen auf und steht somit in einer (trans-)nationalen Städtekonkurrenz: Die (Innen-)Städte sollen zu störungsfreien Einkaufszonen werden. Es entstehen neue Räume der Konsumtion. Parallel dazu wird die Sicherheit privatisiert und es entsteht eine neue Sicherheitslogik. Was ist Gentrifizierung? Wie wirkt die neoliberale Ökomonie auf die Stadtentwicklung? Was heißt Kontrolle und Sicherheit in diesem Kontext? Jürgen Mümken, Jahrgang 1965, studierte an der Gesamthochschule Kassel Architektur mit den Schwerpunkten Gefängnisarchitektur, Wohnungspolitik, Macht und Raum und ist ein anarchistischer Theoretiker.

23:30 Uhr Tojo Disko
Sister Knister und Kami Katze, alias Grazia Pergoletti und Renate Wünsch, begannen ihre gemeinsame DJ-Laufbahn während der legendären Tojo-Diskos in den späten Neunzigern. Seither brachten und bringen sie die Hüften zum Kreisen und die Knie zum Schlackern, sei es im Café Kairo, im Progr, in der Dampfzentrale oder im Schlachthaus Theater oder auch an den ersten, unvergesslichen Theaterfesten im Foyer des Stadttheaters. Sie mixen Sixties-Trash mit zeitgenössischem Indie-Rock, guten alten R'n'B mit neunziger Hip-Hop und nennen das ganze "Gangster-Pop". Hauptsache warm und cool, classy und wild.

• www.tourdelorraine.ch
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Künstlerische Leitung: Linda Magnifico & Elena Morena Weber. Choreografie: Linda Magnifico in Zusammenarbeit mit den TänzerInnen. Tanz: Tonatiuh Diaz, Pamela Monreale, Joshua Monten, Mirjam Sutter, Elena Morena Weber. Komposition/ Piano/ Melodika: Sasha Shlain. Klarinette: Thomi Geiger. Technik: Remo Merz. Foto: Roberto Conciatori.

Wie bringt man Tanz dem Publikum nahe? Die Antwort von cie. dysoundbo: Man erinnere die Menschen an ihr natürliches Verlangen nach Bewegung. Schliesslich will jede/r tanzen! dysoundbo kreiert eine Ballsituation: Eben noch in den Zuschauerreihen gesessen, darf man jetzt darauf hoffen, zum Tanz aufgefordert zu werden. Erzählt wird die Geschichte von einem der auf Reisen ging, um das Glück zu suchen. Natürlich gibt es Hindernisse. Es sind Tote aus längst vergangenen Zeiten und Epochen, die den Glückssucher mit seinen eigenen Ängsten konfrontieren. Schliesslich gelingt ihm die Versöhnung mit den Verstorbenen und ein festlicher Walzer beendet die Inszenierung und eröffnet das Tanz-Parkett. Die jüngste Produktion von dysoundbo „Darf ich bitten?“ ist ein vergnügliches Tanzspektakel in szenisch ansprechenden Motiven – hochkarätig, professioneller, zeitgenössischer Tanz ohne elitär zu sein. Verblüffend und auf jeden Fall bewegend.

• www.dysoundbo.net
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Von Cory Looser. Eine Produktion von Spiegeltheater. Regie: Julia Burger. Ausstattung: Barbara Pfyffer. Schauspiel: Meret Bodamer, Utz Bodamer, Elisabeth Rolli, Alberto Ruano, Kaspar Weiss. Komposition/Musik/ Schauspiel: Fatima Dunn. Dramaturgie: Cory Loose

«Für Solol von Gomorrha» spielt in Zürich, genannt Ikara. Das Stück beginnt in der Zeit des Wirtschaftswunders und endet in den 80er-Jahren. Schon in den 50ern kam in der vom Krieg verschonten Schweiz ein Gefühl der grenzenlosen Machbarkeit auf. Die Werbung war Wegbereiterin dieses Booms. Sie generierte neue Bedürfnisse und setzte Trends bis hin zu realitätsfremden Träumen. Was bedeutet uns Status? Wie verändert uns der hohe Lebensstandard? Wie viel Verdrängung braucht jeder einzelne für sich? Am Modell einer trendigen ikarischen Familie, die von heut auf morgen mit Werbung zu Erfolg und Macht kommt, wird die Frage nach der Lebensqualität gestellt. Das Leben der Wirtschaftsboomer ist gezeichnet von Leichtigkeit und Phantasie, von Promiskuität und Dekadenz. Mehr und mehr verlieren die ProtagonistInnen den Bezug zur Realität, werden zu Opfern ihrer eigenen Traumkreationen und verdrängen geschickt ihren fortschreitenden Zerfall bis zum Tod.

• www.spiegeltheater.ch
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Mit: DJ HuG, DJ Fäb und VJ Finn Damaged.

Maisgold trinken bis man die Engel singen hört: Familienschlauch vorbei - Weihnachtsgeld kassiert - gehe zu Tojo-Disko - Maisgold trinken – auf die DJs eintunen, Tanzbein schwingen - Maisgold trinken - labber labber - Maisgold trinken - Visuals by Finn Damaged bewundern - Maisgold trinken - langsam euphorisch werden - Maisgold trinken - erstes Mal über Los gehen und auf der Tanzfläche ausflippen - Völlig losgelöst - Drink trinken - Rumrutschen - Drink trinken - abgehen - nicht mehr aufhören - bis zum Skandal im Sperrbezirk - Ekstase! Völlig losgelöst, die Tanznacht mit Tradition. Das Disko-Kollektiv «Völlig Losgelöst» lässt Schlimmes und Allerschlimmstes vergangener Tage auf ein amüsierwütiges, sentimentalwilliges Tanzvolk los: Neue Deutsche Welle, New Wave, Italo, Pop und Rock der 1980er-Jahre. Nicht fehlen werden auch kuschelige Tracks aus nicht übermässig guten Filmen, die geschlossen getanzt zu werden wünschen. VJ Finn Damaged aus Upper City bringt handverlesene Visuals auf die Leinwand und rückt das Diskospektakel in den richtigen Film. Und vergesst nicht: Wer zu spät kommt, den/die bestraft das Leben.

• www.völliglosgelöst.ch
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Text: Paula Fünfeck Regie: Christoph Moerikofer. Spiel: Schang Meier (Twart), Daniel Rothenbühler (Piter), Brigitta Weber (Poudèl). Ausstattung: Reni Wünsch. Musik: Resli Burri. Licht: Martin Brun. Projektion: Mohéna Kühni. Koproduktion: Schlachthaus Theater Bern, GZ-Buchegg Zürich.

Twart und Poudèl streiten sich um das neue Universum, das sie erschaffen sollen. Twart will es eckig haben, Poudèl lieber rund. Da erfindet Piter Para Doc’s etwas Magisches: die Zahlen. Poudèl kriegt die ungeraden, Twart die geraden Zahlen. Und er selber behält die Null. Ausgerüstet mit dieser neuen Waffe untersuchen sie ihr neues Werk, das Universum und stossen dabei auf Erstaunliches ...

• www.eigermoenchundjungfrau.ch
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Regie: Dirk Vittinghoff. Spiel: Antonio Albanello, Sibylle Heiniger, Miko Hucko, Jost Krauer, Karin Maurer, Julia Monte, Gregor Schaller, Caroline Schenk, Robert Stofer, Dirk Vittinghoff. Grafik: Michael Epp. Technik: Helena Hebing. Produktionsleitung: Sibylle Heiniger.

In der neunten Trash-Revue vegetieren die Kurtlis als SlumbewohnerInnen dahin und fristen ein sinnloses, ärmliches Leben. Doch eines Tages beschliessen sie, ihrem grauen Dasein ein Ende zu setzen und etwas zu verändern. So brechen die Kurtlis als "Wutbürger" auf, um die Welt zu retten. Es beginnt eine Reise ins Land der Banken, der Pharmamultis, der PolitikerInnen und AbzockerInnen. Doch anstatt die Verhältnisse tatsächlich zu verbessern, scheitern die Kurtlis immer wieder. Denn wer sich lösen und die Welt verändern will, der müht sich ab, behindert sich selbst, stolpert über eigene Widersprüche und Gewohnheiten und schlittert in ungewollte Situationen - und all dies in gewohnter Kurtli-Manier: schrill, klischiert, trashig und einzigartig!

• https://www.facebook.com/pages/KURTLI/248256691892697
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Konzept/Regie/Produktionsleitung: Corsin Gaudenz. Spiel: Evelyne Gugolz, Marisa Godoy, Sascha Alexander Gersak, Klaas Hübner, Trixa Arnold, Dominique Müller, Corsin Gaudenz. Stimme: Arthur Hayes. Musik/Installationen: Klaas Hübner Musik/Dramaturgie: Trixa Arnold. Bühne: Frieda Schneider. Kostüme: Saša Kohler. Video: Dominique Müller. Einlass: Kaspar Wohnlich. Koproduktion: Fabriktheater Rote Fabrik.

Zeit ist immer anders... Zehn Pferde, ein Zelt, etwa 300 Kronen Betriebskapital (umgerechnet ca. 6000 Franken), dazu Miss Constanza, die Tochter Maria Doré (aus erster Ehe) plus eine Handvoll erlesener MitarbeiterInnen und alle sind zirkusbesessen. Das ist der (bescheidene) Zirkus um Corsin Gaudenz. Manege frei! „Time Is On My Side“ ist ein Stück über die Wahrnehmung von Zeit. Als Zirkusvorstellung angelegt, synchronisiert dieser experimentelle Abend Zeit und Aufmerksamkeit: Unter der Zeltkuppel haben sich alle versammelt zum Spiel – Elefanten, Clowns, Artisten – um sich und das werte Publikum ins Jetzt zu katapultieren. Dazu ticken die Metronome und geben den Takt an. Uhren, die ihren eigenen Gesetzen folgen, beherrschen hier die Welt.

• www.corsingaudenz.ch
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Von/mit Doraine Green, Arne Nannestad. Licht/Technik: Lola Rosarot. Fotos: Dominique Uldry. Produktionsleitung: Michael Röhrenbach.

Alzheimer’s Part 1 (or is it Part 2?) ist ein persönliches Erinnerungs-Stück, das den politischen, theatralen und alternativen Lebensstil der 70er, 80er und 90er Jahre erforscht. Inklusive Verhaftungen als Terrorverdächtige, Drogendealer und Anarchisten in Ost Berlin, München und Rom. Akt stehen in Paris, Antiquitäten fälschen in London, schlafen auf Fassbinders Fussboden in Frankfurt und wilde Parties mit Robert Downey Jr. in Hollywood. Alles wahr, wenn auch vielleicht nicht in dieser Reihenfolge... Seit 40 Jahren tourt Action Theatre durch Europa und die USA. Hippies, LSD, Vietnam-Proteste, Kommunen, Gleichstellung, sexuelle Freiheit, Maxi-Röcke, Berets, Palestinensertücher, das Ende von Franco, der Fall der Berliner Mauer, der Falklandkrieg, Tschernobyl, zwei Golfkriege, 9/11 ¬– die wachsende Bedeutung des Materialismus, die Globalisierung und den Tod der Ideale. Auf Tour erlebten Doraine Green und Arne Nannestad den Wandel der Zeiten oft vor Ort. Ein persönlicher Rückblick mit allen Unwägbarkeiten.

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Mit der LuDi-Crew: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube. Regie: Jost Krauer.

Nach dem fulminanten Start in die elfte Saison ist die LuDi-Crew nun topp motiviert: Mägic Henä, des Zauberns überdrüssig, hämmert, schraubt, lötet und betoniert an dem ultimativen Kunstwerk, das alle in Staunen versetzen soll. Will Lee wartet seelenruhig auf Inspirationen, die ihm sein neues Hobby, das Stricken, bringen soll. Hans Franz Nägeli blättert in seiner Lieblingsfibel „Winterharte Sukkulenten“, um seinen Mitmenschen lehrreiche Verhaltensweisen aus der Pflanzenwelt nahe zu bringen. Und die neue Dame des Lustigen Dienstags? Wenn schon, denn schon, sagt sie sich. Sie will hoch hinaus und tüftelt an der Veröffentlichung der Weltformel. Dazwischen illustre Gäste aus nah und fern. Und der Publikumswettbewerb. Und wie immer: Alles ohne Gewähr.

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Konzept/Realisation: Sabina Seiler. Choreografie: Félix Duméril, Sabina Seiler. Tanz: Jonatan Blaty, Félix Duméril, Oliver Hirschi, Irène Moffa, Theresia Wallberg. Musik/Bandoneon: Jonatan Blaty. Bühnenbild: Johannes Frei. Produktionsleitung: Sabina Seiler, Sarah Uwer.

„Sombras“ steht für ein Beziehungsspiel, in dem verschiedene zwischenmenschliche Befindlichkeiten ausgelotet werden. Am Anfang steht die Sehnsucht nach Nähe und Glück. Dabei verwickeln sich die Protagonisten in verschiedene Geschichten und tanzen sich durch Höhen und Tiefen, durch Verstrickungen und Isolation. Ihre Wunschbilder und Projektionen zerbröckeln nach und nach und driften in die Surrealität ab. In diesem Stück begegnen sich Argentinischer Tango und zeitgenössischer Tanz und bilden neue Bewegungsformen rund um die melancholische Musik des Bandoneons. Das Spannungsfeld zwischen Freiheit und Abhängigkeit in einer Beziehung wird tänzerisch illustriert und in Raum und Zeit umgesetzt. Seit ihrer Zusammenarbeit für die Oper Maria de Buenos Aires 2001 am Stadttheater Bern erproben die beiden Berner Choreografen Sabina Seiler und Félix Duméril die Verbindung zwischen Tango und zeitgenössischem Tanz. Für ihre jüngste Produktion arbeiten sie mit tangopassionierten zeitgenössischen Tänzern und einem Bandoneonista zusammen.

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Regie: Charlotte Huldi. Spiel: Pascale Güdel, Arthur Baratta, Rolf Brügger, Stefan Liebermann. Spiel/Live-Musik: Morgane Gallay. Ausstattung: Verena Lafargue Rimann. Kostüm: Barbara Krämer. Licht: Tom Häderli. PR/Administration: Luisa Funk, Ana Gonzalez. Rechte: Theaterverlag Marabu Zürich.

Zwei Kinder. Zwei Väter. Zwei Räuber-Banden, die sich spinnefeind sind. Ronja wächst in der Mathisburg und dem umliegenden Wald auf, geborgen in der Welt der Räuberlieder, ohne Sorgen, innig geliebt von ihrem Vater, dem mächtigen Räuberhauptmann Mathis. Bis eines Tages sein Erzfeind Borka mit seiner Bande in den nördlichen Teil der Mathisburg zieht und Ronja seinen Sohn Birk kennenlernt. Nichts ist mehr wie früher... Ein Theaterstück mit ein- und mehrstimmigen Gesängen, Live-Musik und atmosphärischen Bildern, für junges Publikum ab 7 Jahren. Eine starke Geschichte, eingebettet in eine ursprüngliche Natur. Tief, wild und schön.

• www.theatredelagrenouille.ch
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Konzept/Regie: Sibylle Heiniger, Patricia Noçon. Spiel: Peter Aebi, Sven Aebischer, Nina Forster, Manuel Hitz, Manuela Hochreutener, Daniel Knöpfel, Jeanette Kunz, Michael Mäder, Corinne Mosimann, Moïse Pehnke, André Roth, Gregor Schaller, Ruedi Schwander, Lisan Trung. Bühne/Licht: Dirk Vittinghoff. Kostüme: Barbara Schleuniger. Assistenz: Selina Wälti. Produktionsleitung: Sara Heer, vhs plus.

Wir alle wohnen. Wir wohnen alleine oder zusammen, freiwillig oder unfreiwillig. Wir gestalten unsere Wohnungen, richten sie mit allem was uns etwas bedeutet ein. Schön und liebevoll, liebevoll und schön. Das gibt uns Geborgenheit und macht uns glücklich. In unseren Wohnungen sind wir kleine Königinnen und Könige. Wir können in Ruhe schlafen, essen, stundenlang vor dem Spiegel stehen und duschen so lange wir wollen. Wir können nichts tun oder fernsehen und Musik hören, so viel und so laut wie wir wollen... Und dann pfuschen einem die anderen rein oder die Nachbarn stören. Dann wünscht man sich ein Haus auf einer einsamen Insel und zieht um in eine triste Einzimmerwohnung in der Agglomeration... und träumt vom Schloss mit Aussicht aufs Meer.

• www.vhsplus.ch/Theatergruppe-muniambaerg/
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Konzept/Regie: Marcel Schwald. Performance: Susanne Abelein, Daniel Hinojo, Marko Milic, Julia Schmidt. Bühne/Licht: Manuel Gerst. Sound/Licht: Matthias Meppelink. Kostüm: Sophia Röpcke. Produktion/Dramaturgie: Boris Brüderlin. Produktionsmitarbeit: Christiane Dankbar. Assistenz: Mattia Meier. Illustration/Grafik: Lukas Acton. Fotografie: Donata Ettlin. Koproduktion: Kaserne Basel, Fabriktheater Rote Fabrik Zürich, PRAIRIE ( Migros-Kulturprozent).

Vier Freunde in den Trümmern der Kindheit: Auf der Suche nach dem, was war und was davon übrig bleibt, legen vier erwachsene Spieler das Anerzogene ab und bauen aus längst ausrangierten Materialien beinahe abhanden gekommene Kindheits-Logiken wieder auf. Angeleitet von Enid Blytons „Fünf Freunde“-Kosmos erinnern sich die vier Spieler an ihre eigene Kindheit in einem pfälzischen Dorf, als Scheidungskind zwischen Spanien und Amerika oder in den Kriegstrümmern von Ex-Jugoslawien. Es geht um prägende Momente und die Frage, wie wir zu dem geworden sind, was uns heute ausmacht. Damals, als das Leben noch ein Abenteuer war und vieles zum ersten Mal überstanden werden musste. Zwischen Abhängigkeit und Souveränität, Verletzung und Rücksichtslosigkeit verschwimmen die Lebensphasen und entlarven den Mythos der glücklichen Unschuld.

• www.mars2meilen.com
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Mit: Jacqueline Schnyder, Robert Stofer, Markus Schrag, Thomas Laube. Regie: Jost Krauer. Keine Reservation möglich.

Der Lustige Dienstag geht in die elfte Saison. Und, es ist nicht zu fassen, aber Mägic Henä, Hans Franz Nägeli und Will Lee haben es tatsächlich geschafft Francine, den Star der letzten beiden Saisons, zu vergraulen. Das ist nun schon die fünfte Frau die Ihnen abgehauen ist. Seien wir ehrlich: Was haben Mägic Henä, Hans Franz Nägeli und Will Lee ausser Frauenvergraulen eigentlich sonst noch zu bieten? Das einzige was sie rettet ist: To long to fail. Nun haben sie erneut eine junge Frau in die Crew gelockt. Intelligent, hübsch, aufgeweckt, scharfsinnig und geistvoll wie sie ist, wird sie hoffentlich schaffen, den LuDi zu retten. Die Hoffnung stirbt zuletzt.

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mit/von Jackie Brutsche. In Zusammenarbeit mit Chris Rosales (Text, Tonspur), Beatrix Bühler (Text, Oeil extérieur), Brunner&Meyer (Animation) und Renate Wünsch (Beratung Ausstattung).

Eine beherzte kleine Spermie will Astronaut werden, löst dabei einen Aufstand im Hodensack aus und droht an einem Spiralenmonster zu scheitern. In der Welt der Spermien gibt es wie bei uns Fitnessstudios, Mary Poppins, Dopingfälle, Verschwörungstheorien, Vorgesetzte, Investmentbanker, Selbstzweifel, Lebensträume und Existenzängste. Dabei werden aus der Sicht einer Spermie (nicht geboren/nicht gestorben), naive und grundsätzliche philosophische Fragen zum Leben und zur Gesellschaft gestellt: Warum sind wir hier, wohin geht es? Wie stellt man sich das Leben vor, was erwarte ich, was erwartet mich? Wie sind die Überlebenschancen und was die Risiken? Welches Material bringt man mit und welches braucht es zum leben? Ein Themenfeld, das mindestens so viel Verheissung wie Potenzial zum Scheitern in sich birgt.

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Konzept/Choreografie: Kiriakos Hadjiioannou. Performance: Kiriakos Hadjiioannou, Meret Schlegel, Nancy Stamatopoulou. Musik: Niki Neecke. Lichtdesign: Brigitte Dubach. Lichttechnik: Catherine Rutishauser. Bühne: Martina Ehleiter. Bühnenanimation: Simon Kleinwächter. Kostüm: Yana Ray. Produktion/Dramaturgie: Boris Brüderlin. Künstlerische Mitarbeit: Nikos Kamontos. Fotos: Donata Ettlin. Oeil extérieur: Nicole Gabriele Schöpfer.

Zwanzig Jahre lang wartet Penelope die Rückkehr von Odysseus. Zwanzig Jahre, in denen sie hartnäckig an ihrer Liebe festhält. In "Secondskin" begeben sich drei TänzerInnen in diesen Zustand, in dem alles und nichts möglich scheint. Die alte Haut abstreifen und einfach davon fliegen? Oder doch ausharren und dem Vergessen trotzen? Pendelnd zwischen Widerstand und Ausbruch entführen sie das Publikum auf einen Trip durch die Vergangenheit um endlich in der Gegenwart zu landen. Vor dem mythologischen Hintergrund untersuchen die drei TänzerInnen, wie sich die Zeit in den Körper einschreibt und wie sich daraus Spuren der Vergangenheit ablesen lassen. Die Frage, was das Warten mit Penelope macht, wird zur Frage wie Ausdauer und Alter die Arbeit einer Tänzerin oder eines Tänzers verändern. "Secondskin" unterläuft so das tänzerische Ideal eines agilen, unverbrauchten Körpers. Das Körpergedächtnis vermittelt hier die reale Präsenz der Vergangenheit und thematisiert ihren Einfluss auf Gegenwart und Zukunft.

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Produktion/Regie/Spiel: Melanie Schmidli. Musik/Sound: Christoph Wirth. Bühne/Kostüm: Clementine Pohl. SpieglerInnen: Salome Lötscher, Anne Haug, Tanja Krone, Emma Howes, Alexander Schröder, Christoph Wirth Texte: Salome Lötscher, Melanie Schmidli, Walt Disney. Licht: Walter Freitag. Fotos: Nils Bröer. Koproduktion Sophiensæle Berlin, Lofft Leipzig, Tojo Theater

In ihrer ersten Soloperformance schickt Melanie Schmidli ihr Alter Ego Marielle auf einen Menschwerdungstrip, um den Diktaturen weiblicher Identitätsentwürfen auf die Spur zu kommen und das Potential einer leidenschaftlichen Identifizierung auszuloten. Marielle hat einen Traum: Ein eigener Schwanz – grün, schuppig, mit zwei Flossen. Sie will die Oberfläche verlassen, sich aus ihrem Leben, aus ihrem Körper wegdenken, und sie ist bereit, den Preis für diese phantasmatische Obsession zu zahlen. Der Traum eines Mädchens wird auf der Bühne nach und nach zum Alptraum. Inmitten der bunten Musical-Welt tauchen auch die mythischen Vorfahrinnen der rothaarigen Trickfilmschönheit auf: grausame, todbringende, bärtige Nixen, halb Mensch, halb Tier. Eine groteske Theaterperformance mit Live-Musik und einer phänomenalen Krabbe nimmt ihren Lauf.

• http://vimeo.com/53902743
• www.melanieschmidli.com
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Spiel: Melinda Giger, Sylvie Kohler. Konzept/Regie: Sarah-Maria Bürgin. Ton/Bühne/Licht: Michael Egger. Fotos: Nick Winter. Grafik/Website: Heinz Anderhalden. Produktionsleitung: Michael Röhrenbach. Koproduktion Südpol Luzern, Tojo Theater Bern, Gare de Lion Wil.

„Many to Many“ erzählt die Geschichte zweier junger Frauen, die sich gemeinsam das Leben nehmen wollen. Über Twitter, Facebook und Chatrooms wird das Vorhaben in den Sozialen Netzwerken gepostet. Zahlreiche „Freunde“ kommentieren interaktiv und nehmen virtuell an dem geplanten Selbstmord teil. Was als ernsthaftes Vorhaben der „Suicide-Ladies“ im Internet beginnt, avanciert zur Fütterung eines nimmersatten, sensationshungrigen Webs und artet in ein Social-Media-Happening aus. Ein Katz- und Mausspiel in aller Öffentlichkeit, das mysteriös endet. Wer sind diese beiden Frauen? In ihrer dritten Produktion „Many to Many“ widmet sich die junge Luzerner Theaterformation MIMITO, erneut in Zusammenarbeit mit der Regisseurin Sarah-Maria Bürgin und dem Multimediakünstler Michael Egger, den social media, den sozialen Netzwerken im Internet. Als Inspirationsquelle dient MIMITO „norway.today“ von Igor Bauersima. Bei ähnlicher Ausgangslage entfernt sich „Many to Many“ aber schnell von der Vorlage. Bei „Many to Many“ geht es weniger um die Selbstfindung der Figuren als vielmehr um die Frage: Wer inszeniert eigentlich wen?

• www.theater-mimito.ch
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Spiel: Daniela Bitzi, Nadine-Sara Lüthi, Till Burkart, Silvana Castelberg. Dramaturgie: Patricia Flores. Musik: Péter Tészás. Kostüm: Sabine Pfisterer. Bühne: Silvia Burgermeister.

„Anomalia“ ist ein halluzinogener Theater-Trip. Ausserirdische Wesen bewegen sich im UV-Licht zu sphärischer Musik und entführen das Publikum in die mystische Welt des Planeten Ea. Dort begegnen sie Kronos und Rhea. Den machtbesessenen Kronos beherrscht die Angst, von seinen Nachkommen entmachtet zu werden und darum verschlingt er jedes seiner Kinder im Föten-Stadium. Seine Frau Rhea kann dieses Verhalten nicht mehr ertragen und versteckt heimlich einen der Föten. Aus diesem Fötus schlüpft Anomalia und seine Odysee zum Göttervater und Herrscher der Welt beginnt. SAPTA Theater verbindet den griechischen Mythos von Zeus mit Science-Fiction Elementen und erweckt nicht nur Masken und Puppen zum Leben sondern auch unsere Fantasie. Denn im Schwarzlicht verschwinden jegliche Parameter der Realität und irrlichtern wild durchs Weltall.

• www.sapta.eu
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Konzept: Nela Adam, Anna Schölß, Marcel Saegesser. Tanzintervention: Nela Adam. Rauminstallation, Video: Anna Schölß. Musik Komposition: Marcel Saegesser. Tanz: Johannes Anzenhofer, Johanna Delago. Videokunst: Kristijan Kolak. Musik: Francesca Benetti (Theorbe),Georg Glasl (Zither), Katryn Hasler (Baritonvioline), Barblina Meierhans (Viola), Sabrina Merz (Kontrabass). Dokumentation & Projektbegleitung: Lia Sáile. Photos: Sabine Kuhn.

„WÜSTEN VIII _______“ ist ein performativ-installatives Experiment, das in der Sahara entstand und bisher in Kairo, München, Hochstätt (D) und Bremen aufgeführt wurde. Drei Kunstschaffende aus Tanz, Malerei und Musik setzen sich mit einer der klarsten, hellsten, stärksten Form der Abwesenheit auseinander: der Wüste. Ihre Ergebnisse fügen sie in einer performativen Rauminstallation zusammen und erkennen darin ein ewiges Warten auf flüchtige Eventualitäten und eine Belebtheit der Leere. Es entstehen lebende Bilder und Klänge über eine scheinbare Abwesenheit und poetische, abstrakte Landschaften, die sich über die drei Abende weiterentwickeln. Das Tojo Theater wird zum Wüstenraum. Bespielt werden sowohl die Bühne als auch der Zuschauerraum und das Publikum kann die Rauminstallation jederzeit betreten und wieder verlassen.

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Von und mit: Miko Hucko und Thibault Schiemann. Photographie: Martin Obrist.

Alle Welt spricht vom Untergang Europas: Wir verlieren unsere humanistischen Werte, wir gehen unter im Strom der Zuwandernden, wir sind keine glaubwürdige Instanz mehr, wir können nicht mehr mit der Konkurrenz auf dem Weltmarkt mithalten – kurz und gut: Europa ist altmodisch und passt nicht in die Welt von heute. Doch ist das überhaupt nötig? In Ruine Europa zelebriert Tobak Lithium das Ende Europas und nimmt es vorweg. Wir verabschieden uns gemeinsam mit dem Publikum vom brüchigen Gedankengerüst Europa und zugleich von der bröckelnden Kunstform Theater. Wir treiben die verkalkten Geister aus, wir machen Schluss mit dem Ende der Geschichte und tragen unsere eigene Vergangenheit zu Grabe: Lasst die Ruine verfallen und uns von vorne beginnen!

• https://www.facebook.com/tobak.lithium
• www.tobaklithium.wordpress.com
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Produktion/Text: Ramon Gossweiler. Regie: Ensemble. Schauspiel: Simone Gfeller, Lhea Faber, Martina Heinzer, Stefan Balmer. Musikalische Leitung: Benjamin Meichtry. Musik: Nicolas Brügger, Fabian von Allmen, Simon Rentsch, Xander Zulliger, Ramon Gossweiler, Marcel Beer, Reto Schläppi. Tänzerische Leitung: Janine Laube. Tanz: Anna Allenspach, Annina Moser, Nina Gossweiler, Linda Denissen, Ilona Siwek, Theo Küng. Film: Anna Allenspach, Fabian v. Allmen, Marcel Beer. Siebdruck: Andrea Beckel. Poesie: Maurice Angst. Bühne, Kostüm: Annina Mosimann, Urs Junker. Visuelle Kommunikation: Nicolas Brügger. Technik: Gerhard Grossniklaus, Diego Aeberhard, René Schläpfer, Urs Junker.

In der Welt des Megakonzerns Nanomia ist Corporate Social Responsibility (unternehmerische Sozialverantwortung) Programm. Das Unternehmen kümmert sich um die Bedürfnisse seiner Mitarbeiter in sämtlichen Lebensbereichen. Denn theoretisch sollten alle Menschen das Recht auf Chancengleichheit und Glück haben. Durch geschicktes Management und zugegeben auch durch gewisse Umstände, wie der Weltwirtschaftskrise und der Lähmung und Verfilzungen in der Politik, hat es Nanomia geschafft, sich vom Wettbewerbszwang zu befreien und den Organismus der Menschheit in ihrem Sinne zu organisieren. Das neue globale Bewusstsein, welches Nanomia praktiziert, besteht aus der Erkenntnis, dass jeder von uns wächst und gedeiht, wenn wir das pflegen, wovon wir selbst ein Teil sind. Mittels Kooperation, Nachsicht und Hilfsbereitschaft werden Synergien freigesetzt, die aufzeigen, dass das gemeinschaftliche Leben auf der Erde tatsächlich grenzenlos sein kann. „Alle sind glücklich in Nanomia“ ist ein interdisziplinäres Projekt von Berner Kunstschaffenden der Sparten Theater, Musik, Film, Tanz, Installation und Poesie. Die Projektgruppe reflektiert unseren Alltag, indem sie Trends zu aktuellen gesellschaftlichen Fragen radikal zu Ende denkt.

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